Aki szereti a kalandos meséket és a gyönyörű látványvilágú filmeket, annak Tarsem Singh kevésbé ismert, Zuhanás című filmje remek választás lehet.
Tarsem Singh neve elég megosztónak számít a filmiparban, eddigi alkotásai kizárólag megosztó vagy rossz fogadtatásban részesültek; egyedi, önálló stílusa azonban vitathatatlan. Több kisfilm és videoklip után (a nevéhez fűződik például az R.E.M. Losing My Religionje) az első nagyjátékfilmje, A sejt 2000-ben jelent meg Jennifer Lopez főszereplésével. Singh összesen öt filmet rendezett eddig, a legkedvezőbbnek mondható kritikákat a 2006-os The Fall, magyarul a Zuhanás című filmjével nyerte el, ami véleményem szerint magasan a legjobb alkotása és egy kifejezetten alulértékelt rétegfilm.
A Zuhanás alapjául egy bolgár mű, a Yo ho ho (1981) forgatókönyve szolgált, azonban az érdekes történet mellett egyértelműen Singh legnagyobb erőssége, a vizualitás teszi különlegessé a filmet. A Zuhanás egy Los Angeles-i kórházban játszódik az 1920-as években, ahol egy (zuhanás által) megsebesült kaszkadőr elkezd történeteket mesélni öt mitikus hősről egy másik betegnek, egy törött karú kislánynak. A kaszkadőr, Roy (Peter Jackson egyébként ezen alakítása alapján választotta ki Lee Pace-t Thranduil szerepére A hobbit-trilógiába) teljes egzisztenciális válsága és elképesztő képzelőereje olyan történetfonalat hoz létre, amely összemossa a valóságot és a fikciót, ezáltal pedig a meséi egyre jobban magával ragadják a kis Alexandriát, aki a körülötte lévő emberek képében látja a különböző kalandokat átélő mitikus hősöket. Roy történeteiben van szeretet, szerelem, ármány, igazi gonosztevő, jólelkű segédek, tragikus halálok – és nem utolsó sorban tanulság is, ahogy ez egy jó meséhez illik.
Forrás: screenmusings.org
A rendező állítása szerint nem használtak vizuális effekteket, minden jelenetet létező helyszínen forgattak – azért erre ne vegyünk mérget a stáblista láttán, azonban a filmen látszik a lenyűgöző eredménye az aprólékos és kitartó munkának: a Zuhanást 28 országban forgatták, négy éven keresztül. A kórházban játszódó jeleneteket Singh hat hét alatt, kronologikus sorrendben vette fel, így a kis Alexandria karakteréhez hasonlóan az őt játszó Catinca Untaru is egyre jobban beszélt angolul, magasabb lett. A kislány egyébként egy félreértés következtében azt hitte, hogy Lee Pace valóban le van bénulva: Singh úgy gondolta, hogy ez még nagyobb érzelmi löketet tud adni kettejük jeleneteinek, így az egész stábot megkérte, hogy ne szóljanak a dologról Untarunak.
A Zuhanás egy nagyon kreatív és egyedi film, amely sokak szemébe könnyeket csalhat. Egy mesés történet zajlik le előttünk két síkon, miközben elképesztő tájakat és egy barátság kialakulását is láthatjuk. A forgatókönyv és a vizualitás ötvözete egy kissé keserédes, de gyönyörű kalandot eredményez, amit nem sokszor látni tényleg működőképesnek, de a Zuhanásban Tarsem Singh-nek ez összejött.
„Miért tanítsunk kortárs irodalmat? Én csak azoktól szeretek olvasni, akik már meghaltak.” – hangzott el egy leendő magyartanár szájából az előző két mondat, egy gólyáknak szóló irodalmi szemináriumon. Legelső magyar órám az egyetemen, nem baj, mi, többiek, majd itt jól kiállunk a kortárs irodalom mellett, igazi védnökként díszelgünk, és Nádas, Kemény vagy akár Erdős Virág elismerését kivívva érveinkkel büszkén, győztesen távozunk a vitából. Gondoltam én. A probléma viszont ott kezdődött, hogy a 16 fős szemináriumon a „mi” a tanár úrból és belőlem állt, éles vita pedig nemigen alakult ki. A kortárs magyar irodalom ellen az egyetlen (és egyesek szerint a sorsdöntő) érv a szerzők „teljes körű” életrajzának a hiánya volt.
(A cikk egy részlete a KultAgorával folytatott együttműködésünk nyomán kerül közlésre.)
Szerző: Eszenyi Fanni)
Az elmúlt évek tapasztalatai azt mutatják, hogy négyféle magyartanár-jelölt létezik. Az első az, akinek életrajzalapú és kronologikus sorrendben haladó irodalomoktatásban volt része a középiskolában, és ezzel a metódussal elégedett is volt, emiatt később ő is ezt a módszert alkalmazza, elhatárolódik a többi alternatívától. De mellettük ott vannak azok, akik az ilyen típusú tanár módszereivel nem tudtak és a mai napig nem akarnak azonosulni. És persze léteznek még a túlalternativizáló pedagógiai módszereken felnőtt diákok, valamint az inkonzisztens oktatási stratégiával rendelkező hallgatók. Na, az utolsó kategóriába tartozok például én is. Mert hát ugye, milyen fontos is volt 7. osztályban Illyés Petőfi Sándorának fejezeteit szó szerint bemagolni, hogy aztán egész évben a Trója hollywoodi verzióját és az Állatfarmot nézzük felváltva.
„A nép forrni kezdett” – sokat nevettünk osztálytársunk e szállóigéjén 12-13 évesen. Mert nálunk a nép forrni kezdett, „Petőfi vándorcipésznek állt”, zsibongva hadával a völgyben alant meg Ali helyett Ady „űletett” győzelem ünnepet. Félreértés ne essék, az osztály 80%-a ugyanannyit tudott Adyról, mint Aliról: hogy valamikor létezett és bizonyára szeretett inni meg nőzni. Ez alapján kérdezem én, minek ide irodalomóra, ha ezeket az információkat néhány kosztümös filmből és a Nyugat+zombik képregényből is megtudhatják a gyerekek? Persze, az utóbbit valószínűleg még évekig nem taníthatjuk, mert Csepella Olivér él, és feltehetően jó egészségnek örvend.
Arról, hogy ki-mit tart „kortárs” irodalomnak, eltérőek a vélemények. Egyesek a posztmodernista irodalmat Ottlik Iskola a határonjától számítják[1], mások a „Péterek nemzedékétől”[2], megint mások kizárólag az élő irodalmat tekintik kortársnak. Az élő irodalom az, amiből ma a legtöbb iskola irodalomóráin semmit, vagy jobb esetben Varró Dani, esetleg Tóth Krisztina költészetét érintik 12. osztály legvégén – azok az érettségi előtt álló tanulók, akiknek már valószínűleg a legkisebb problémájuk az, hogy a Porhó verseit elemezzék. (Pedig lehet, hogy érdemesebb lenne, mint a gimnázium elején a 26. Balassi-verset bemagolni.)
Ez a deficit még az egyetemen is meglátszik. Negyedik év, kortárs magyar szeminárium, tanári kérdés: „Kinek mi a véleménye a kortárs irodalomról?” Azt hiszem, nem okozok nagy meglepetést, ha elmondom: többnyire izzadtságszagú „szeretnék többet megtudni” és megúszós „Szabó Magdát olvastam” típusú válaszokkal találkozunk.
Petri neve nem hangzik el. Ezen a szemináriumon a kezdeti döcögésből és abból, ami egyeseknek rémálom, nekünk felüdülés lesz. Persze elsősorban the credit goes to the tanár úr, a tudásának és a jól megválogatott tantervének. Szövegközpontú oktatás, a megfelelő történelmi háttérrel kiegészítve.
Idén immár negyedik almalommal rendezték meg Veszprémben a Pannon UniFestet, az összművészeti ifjúsági kulturális fesztivált, ahol az indulók a rendezvény szokásaihoz híven értékes tanácsokat kaptak a zsűritől.
„A fesztivál célja, hogy minél több diákot buzdítsunk arra, hogy a szakmai zsűritől kapott vélemény alapján tudjon fejlődni. Hangsúlyozzuk, hogy nem egymáshoz mérjük őket, tehát ez nem verseny. Vannak díjaink, de nem ez a cél, hanem hogy mindenkit önmagához mérünk, és a zsűri személyesen elmondja, hogy ők miben tudnak fejlődni az adott produkció alapján.” – foglalta össze a fesztivál lényegét Ruszin Éva, a Pannon UniFest egyik önkéntes szervezője.
A fesztivál zsűrijét mindig úgy állítják össze a szervezők, hogy egyrészt mindenki veszprémi kötődésű legyen, másrészt pedig, akik tényleg letettek valamit az asztalra, mutattak valamit a közönség felé is, akik hiteles tájékoztatást és útmutatást tudnak adni a versenyzőknek. Idén a zsűri és workshop előadók csapatában Áfrány Gábor intermédia-művész, Bodor Áron énekes, dalszövegíró, Buvári Tamás rendező, forgatókönyvíró, producer, Gáspár Gábor fotográfus, Kéménczy Antal zenei vezető, zongorista, orgonaművész, zeneszerző, Kovács Benjamin zeneszerző, zongorista, Kovács Gábor, a Pannon Egyetem MFTK egyetemi adjunktusa, Környei Ágota múzeumpedagógus, Tóbiás Krisztián költő, író, a Tempevölgy folyóirat főszerkesztője, Trokán Anna színművész, valamint Vörös Ákos fotós álltak a különböző szekciókban induló művészpalánták rendelkezésére.
Deli Kitti főszervező
„Remek lehetőségnek láttuk a fesztivált arra, hogy egy hozzáértő, szakmai zsűri vizsgálja meg azt a zenei- és életformát, amit mi képviselünk. Örömmel fogadtuk az építő kritikákat, arany minősítésünk pedig bizonyította, hogy játékstílusunk napjainkban is megállja a helyét, nem csak underground, de akár mainstream vonalon is. Az utcazenén már biztosan találkozunk, addig pedig sok meglepetéssel készülünk, amit Facebookon és Instagramon is követhetnek az érdeklődők!” – nyilatkozta az f21.hu-nak Kovács Máté, a zenekar szekcióban induló The Tree Band gitárosa.
A fesztivál minden szekcióban értékes tapasztalatot nyújtott az indulók számára. Sári Diána, aki a prózaírás szekcióban vett részt, így nyilatkozott élményeiről: „Idén voltam először az UniFesten, de biztos, hogy visszatérő versenyző leszek. A prózaírás szekció értékelése családias hangulatban zajlott, a zsűriktől hasznos tanácsokat kaptunk, ezek segítségével biztosan fejlődni fogunk, és nem követjük el ugyanazokat a hibákat, mint eddig. Nagyon pozitív élményként éltem meg az egészet, mindenkinek bátran ajánlom, aki meg szeretné versenyeztetni az irományait!”
1 a 12
A fesztivál szervezői nemcsak a magyar, hanem a külföldi diákok felé is nyitnak: a Szeretföld című filmet angol felirattal vetítették, és a külföldi hallgatók kaptak egy fellépési lehetőséget, hogy megmutassák saját néptáncukat. A fesztivál további programjain – a táncházon, a Prométheuszról című, Turós-Máté Kinga által előadott táncházi darabon, illetve a népek táncán – pedig nem volt feltétlenül szükséges a közös nyelv, így a külföldi diákok is élvezhették az idén hiányzó tánc szekciót kompenzáló eseményeket.
A Pannon UniFest idei eredményei:
Zenekar szekció
Arany minősítés The Tree Band
Ezüst minősítés Laciakkusztikband
Ezüst minősítés Seven Miles
Bronz minősítés Szabó Eszter és Lengyel Laci
Bronz minősítés AortaVp
Hangszer szekció
Arany minősítés Borsos Dominika
Ezüst minősítés Szili Alexandra
Ezüst minősítés Nyőgér József
Ezüst minősítés Tóth Gábor
Énekes szekció
Arany minősítés Galambos Mónika
Arany minősítés Magasmarti Karina Lúcia
Arany minősítés Szabó Dorottya
Arany minősítés Csutak Noémi
Arany minősítés Kusnyér Anna
Ezüst minősítés Fenyvesvölgyi Máté
Ezüst minősítés Góczán Anna
Bronz minősítés Rompos Ádám
Bronz minősítés Guzmits Gabriella Rebeka
Vers- és próza mondás
Aranyminősítés Sólyom Lili Anna
Ezüst minősítés Péter Lea
Bronz minősítés Szautner Katalin Enikő
Bronz minősítés Pavlényi Gyula Márk
Bronz minősítés Lőrincze Klaudia
Bronz minősítés Petrányi Anna
Fotó szekció
Arany minősítés Király Tünde
Ezüst minősítés Vági Ilona
Ezüst minősítés Guzmits Viktória
Ezüst minősítés Xü Jáde Li
Bronz minősítés Tamási Kinga
Bronz minősítés Skrinyár Dóra
Bronz minősítés Nagy Dominika
Festmény/rajz szekció
Arany minősítés Keő Péter
Ezüst minősítés Kávai Zsuzsanna
Ezüst minősítés Kovács Virág
Bronz minősítés Guzmits Viktória
Vers- és prózaíró szekció
Arany minősítés Sólyom Lili Anna
Arany minősítés Szeifert Anita
Ezüst minősítés Sári Diána
Ezüst minősítés Tábori Katalin
Ezüst minősítés Fodor Krisztina
Bronz minősítés Szautner Katalin Enikő
Bronz minősítés Kapornaky Veronika
Rövidfilm szekció
Arany minősítés Holdosi Máté
Arany minősítés Palánki Dávid
Ezüst minősítés Pavlényi Gyula Márk
Ezüst minősítés Hoax Entertainment
Immár másodjára kísérjük útjára J. K. Rowling varázsvilágának fiatal varázslény-kutatóját Göthe Salmandert, a Legendás Lények-filmsorozat újabb epizódjában. A film egyszerre folytatja az előzmény sorozatot, valamint egészíti ki a varázslók világát újabb adalékinformációkkal, beinvitálva így a moziba az egyszeri nézőt és a Harry Potter-rajongókat is. Kritikánkból kiderül, sikerült-e a laikus, becsábított nézőknek valami újszerűt és izgalmasat mutatni, és hogy vajon van-e a történetben még egy trilógiányi anyag.
A történet rögtön az első epizód végkifejlete után kezdődik. Miután Gellert Grindelwaldot (Johnny Depp), a félelmetes sötét varázslót őrizetbe vették, nem sokáig marad bilincsben, ugyanis belső segítséggel kiszabadul az éjszaka folyamán. Göthe (Eddie Redmayne) eközben megbízást és ajánlatot kap Albus Dumbledore-tól (Jude Law), valamint a Mágiaügyi Minisztériumtól, hogy segítsen megtalálni Credence-t (Ezra Miller), az előző rész kontrollálatlan varázslóját Párizsban. A nyomozás során felbukkannak az előző rész különös mellékszereplői, a Harry Potter-szériából megismert helyszínek és ikonikus szereplők, valamint Grindelwald terve is kiteljesedni látszik.
Talán a történet összefoglalójából is látható, Grindelwald bűntetteivel nagyon sokat szerettek volna markolni. Elsőként meg szerették volna ismételni az első epizód talányát, miszerint egy másik ország varázsvilágát bemutatva még több háttérinformációhoz, univerzumbővítéshez és magyarázatokhoz juttatja a nézőt. A történet ezen a szinten körülbelül úgy működik, mint egy utazó dokumentumfilm, de ténylegesen működik. Párizs arculata, a párizsi varázsépületek látványa, a párizsi varázslények és az ehhez kapcsolódó utcai karneválok ízlésesen kerülnek bemutatásra. A látvány izgalmas, a CGI nagyon szép, a kosztümök és a díszlet is korhű és kreatívan vannak belecsempészve a mágikus elemek, mint például egy mozgó szobor, vagy egy miniatűrré változó sátor. Emellett a címszereplő legendás lényeket is nagyon okosan szőtték bele a történetbe, például a francia folklórból átemelt Matagot-kat (démoni macskalény), vagy a kínai eredetű Zouwut (gigantikus, repülő szőrös lény).
Forrás: corvinmozi.hu
Ahol a működési problémák kezdődnek, az a többi aspektus és az egyensúly elvesztése. Az első részben a történet sokszor leült, hagyott időt a nézőek megemészteni azt a sok csodát és varázsállatot, amit a szeme elé tárnak, például hosszabb beszélgetős jelenetekkel a mugli (varázstalan személy) karakterrel, aki azonosulási pontként is szolgálhatott a csodálkozó közönségnek. Ebben az epizódban ezek az idők teljesen kimaradtak, a legtöbb dolog teljesen evidensként van kezelve, és úgy épít például a Harry Potter-filmek ismereteire, hogy meg sem próbálja bevonni azokat, akiknek kimaradt az élmény. Ez valahol erénye is a filmnek, ugyanis a cselekmény így tud ténylegesen pörögni, az univerzum így tud nagyobbat növekedni, mégis hiányzik néha az a fellélegzés, ami az első részben megtalálható volt.
Ráadásul a történet nem csak gyors, és pörgős, hanem végtelenül kaotikus és defókuszált is. A karakterek néha teljesen következetlenek. A visszatérő szereplők közül legalább kettőnek a felbukkanása még több magyarázatra szorult volna az első rész végkifejletét számításba véve, hogy ne érződjön teljesen ad-hocnak. Ráadásul a karakterek és a történetszálak annyira túl voltak zsúfolva, hogy egy-egy nagyjelenetben néhány szereplő csak úgy álldogált háttérben percekig, mire végre helyzetbe tudta őket hozni a forgatókönyv, ekkor pedig teljesen úgy voltak kezelve, mintha mindig is fontos lett volna a jelenlétük. Ezek mellett folyamatos pálfordulások, átállások és teljesen értelmetlenül motivált döntések kísérték végig a kalandok sorát. A legfájóbb pedig, hogy csak egy kis plusz idő és beszélgetés kellett volna, hogy megágyazzanak ezeknek a pillanatoknak.
A legsarkalatosabb pont ebből a szempontból a Credence kilétét övező rejtélyek sora, amelyeknek leleplezése olyan körmönfont és rosszul tálalt volt, hogy az egyik kulcsjelenet teljesen érthetetlenül zajlott le. Credence-ről egyazon jelenetben tudjuk meg, hogy egy híres varázslócsalád leszármazottja, valamint, hogy valójában mégsem, ráadásul körülbelül öt perces időközökkel, amely kitérő után már sietünk is a következő helyszínre, hogy meg se tudjuk emészteni az imént elhangzottakat. Ugyanez a helyzet a szerelmi szálakkal. Göthe szerelmi háromszöge és egy másik szerelmi történet is helyet kap a filmben, és mindegyik teljesen ritmustalanul gombolyodik ki. A háromszög egyik elemét minden felvezetés nélkül megjelenő roxforti flashback-foszlányokban kapjuk meg, egy az egyben felidézve Piton és Lily történetét a Halál Ereklyéi második felvonásából, csak minden katarzistól és érzelmi töltettől mentesen. A másik részlet pedig az előző epizód romantikus beteljesedésének vehető, és a film mércéjéhez képest egészen fogyaszthatóra és aranyosra sikeredett, Redmayne-nek teret hagyva a kínos, visszahúzódó srác megformálásban.
Forrás: wmn.hu
Ha már színészi játék, a szereplőgárdára nem lehet semmilyen panaszunk, mindegyik nagy név beváltotta a hozzá fűzött ígéreteket. Göthe továbbra is karizmatikus, Jude Law nagyszerűen hozta a fiatal és elegáns Dumbledore-t, valamint Johnny Depp lubickolt a félőrült gonosztevő szerepében, kiállásával teljesen magához idomította a karaktert. Egyébiránt az ő karaktere volt a film egyik legizgalmasabb pontja is, rajta keresztül nagyszerűen bemutatták, mekkora politikai erő van egy karizmatikus vezetőben és a teljesen súlytalan, de jól hangzó frázisokban. Ötletes volt például a francia forradalom hármas jelszavának kiforgatása Grindelwald szájából, ami úgy hangzott „szabadság, igazság, szeretet”. Mennyivel általánosabb fogalmak ezek, és mennyivel közhelyesebbnek hangzanak, mégis mennyire könnyű a tömegeket irányítani általa – világított rá mindezekre a film a valódi jelszó hazájában, Párizs közepén. Emellett öröm volt látni, ahogyan a Grindelwalddal szembeni korrupt és bürokrata minisztériumot is árnyalták és rámutattak ezáltal, hogy olykor a történelemben nem minden fekete és fehér. Göthe dilemmáján keresztül megfogalmazódott, hogy néha csak úgy tudunk dönteni és oldalt választani, hogy nem minden tekintetben értünk egyet azzal, azonban egy belső erkölcsi mérleggel meg tudjuk találni azt az alaphangot, ami rezonál velünk.
Sajnos ebből a szálból nagyon keveset látunk csak, és annak ellenére, hogy Grindelwald a film címszereplője, a jelenetek nagy részében csak szobákban ül és malmozik. Ez pedig annak is betudható, hogy az összes felsorolt dolog mellett az alkotók annak tudatában készítették el a művet, hogy az biztosan trilógia lesz, így minden pillanatban ott lebeg a történetben a folytatólagosság érzete, mintha csak egy tv-sorozatot nézne az ember. Éppen ezért, az egész cselekményen érezhető, hogy csupán egy átvezető az első és harmadik rész között, aminek annyi a dolga, hogy minden karaktert egy olyan alapállásba rendezzen, ahonnan el lehet indítani a végső leszámolást. Ez a hozzáállás pedig minden tekintetben káros a filmkészítésre nézve, ugyanis nem a történet és a vízió domborodik ki, hanem azok a kötelező elemek, amiknek mindenképpen meg kell történniük a folytatás érdekében.
A Grindelwald bűntettei egy átlagos kalandfilm, és egy átlag alatti szegmens a Harry Potter-univerzumból. A rajongóknak főként azért fog tetszeni, mert nagyon sok kikacsintást rejteget a korábbiakkal kapcsolatban, és valóban elmésen mélyíti el az eddig megismert fantasy világot. Az egyszeri nézőnek már nehezebb dolga lehet, neki kevesebb kapaszkodót szán a film, és sokszor magyarázat nélkül hagyja a történéseket. Az üzenet és a vízió csak egyetlen szálon tűnik fel, a többit pedig felemésztik a kikacsintások, a kötelező átvezetések, az ehhez kapcsolódó teljesen ad-hoc fordulatok és leleplezések, valamint az unalomig ismételt szerelmi szálak és vicces mellékszereplők kusza özöne. Talán, ha nem gyártanának ennyire kényszeresen trilógiákat a producerek, élvezhető kis önálló epizódokat kaphattunk volna az amúgy sok potenciált rejtő alapötletből.
Hogy mi kell egy igazi klasszikus romantikus filmhez? Szerelem, szex, esküvő, háború, féltékenység, párbaj, elhidegülés, dráma, halál, (majd tudjátok mit?) végül feléledés is. Vagyis egy jó nagy adag giccs. Ez Pálfi György (Hukkle, Taxidermia, Nem vagyok a barátod) filmje, a nem kevesebb, mint 449 műből, 100 év kötelező film-klasszikusaiból újravágott csoda. A Final Cut – Hölgyeim és Uraim (2012) egyetlen alkotásba foglalja össze a filmtörténet egy szeletét és a filmkészítés valódi értelmét.
Szóval adott egy romantikus sztori, egy sármos férfi és egy csinos nő, de hogyan lesz ebből film? Pálfiék videotékákból gyűjtötték össze az olyan előre összeírt kötelező elemeket, mint például a Titanic, a Ponyvaregény, a Sin City, A Gyűrűk Ura, a Star Wars vagy a Hófehérke; továbbá nincs igazi film Bud Spencer nélkül, egy igazi férfi körvonalaiból nem hiányozhat ArnoldSchwarzenegger vagy Marlon Brando, egy igazi nőéből pedig Cher vagy Audrey Hepburn, akik eddigi kliséiket levetkőzve két hősszerelmes szereplő alakja mögé vonulnak fel, így lehet szerencsénk például Jackie Chant szerelmi bánatában sírni látnunk.
Fotó: Szabados Petra
A kiválasztott filmeket rendszerezni kezdték gyakorlatias szempontok szerint. Először is: olyan kép, amelyen csak nő szerepel, amelyen csak férfi szerepel, és olyan amin férfi és nő is szerepel. Ezek után a képeket cselekvések szerint csoportosították: futás, evés, csókolózás, tánc, tükörbe nézés és a többi. Innentől pedig már a négy vágó dolga volt az 1500, különböző filmrészletekből álló snittek egyetlen folyamatos, összefüggő jelenetsorrá fűzése, a vágási technikák végtelen variációjának felvonultatásával, többek között éles vágással, cutting on action-nel, belső vágással, L és J vágással, amelynek eredménye a vágáselmélet valódi egyesítése lett. Két év után a film az addig véglegesnek szánt formájában már teljesítette a célt, az érthető történet elmondását, azonban Pálfi hiányolt belőle valamit . „Most akkor mit is meséltünk el?”– tette fel magának a kérdést a rendező; a válasz pedig a szerzői szándék ünneplése, a „Final Cut” mint fogalom valódi értelme, amelyet az utólag hozzászerkesztett drámaiság, a film vége felé kicsit lazábban, asszociatív képi váltások által elért keserédes utóíznek köszönhetően nézőként meg is kapunk.
Fotó: Szabados Petra
Hölgyeim és uraim! Bár ezért a filmért biztosan nem fogunk tudni hosszasan sorba állni a mozi előtt, de még a tv-ben látni sem lesz szerencsénk, a végtelen számú képi és zenei jogdíjnak való elégtétel lehetetlensége miatt, jogi státusza jelenleg oktatási film, amelyet a Színház- és Filmművészeti Egyetem segédanyagának mellékleteként DVD-formájában megszerezhetünk.
A vetítés után november 14-én, szerdán az AGORA-Savaria Filmszínház kamaratermében a Vágvölgyi András filmesztéta és tanár vezette beszélgetés során Pálfi György beavatta a közönséget a film elkészültének fentebb ismertetett kulisszatitkaiba, majd közösen ástuk egyre mélyebbre magunkat az alkotás rejtelmeibe, miértjébe és hogyanába. Mindent egybevetve a Final Cut tökéletes metszete és eredeti megfogalmazása mindannak, amiért a film, mint önálló művészeti ág és önkifejezési eszköz létrejött.
Már fél éve adják idehaza az Átrium és a Kultúbrigád közös produkcióját, John Kander-Fred Ebb-Bob Fosse Chicagoját, és most nekem is lehetőségem nyílt megtekinteni. Bár ez a kedvenc musicalem, mégis kétségek gyötörtek, hogy hogyan is fog szerepelni egy ekkora amerikai klasszikus egy magyar színpadon, elvégre más közönségnek, más kultúrkörnek íródott. Mondanom sem kell, az előadás után minden kétségem eloszlott: a darab Alföldinél jobb kezekbe nem is kerülhetett volna.
A történet a felszínen egyszerű: adott egy börtön, ahol két lány, Velma Kelly (Parti Nóra) és Roxie Hart (Sodró Eliza), na meg még pár bűnös életű nő tölti fogságát. Mindannyian férfigyilkosok és mindannyiuknak megvan az indokuk, miért, de persze senki sem szeretne bitófára kerülni, ezért a legelejétől egy motivációjuk van: kiszabadulni a rácsok mögül. Őket segíti Billy Flin (Fekete Ernő), a pénz- és szexéhes ügyvéd, akinek nagyobb a szája, mint a valódi szakmai tudása. A darab innen indul, aztán történik pár ilyen-olyan csavar, mindez színesítve kétórányi énekelgetéssel, táncolgatással, na meg jó pár kurvaanyáddal, mígnem happy enddel majdnem mindenki megmenekül.
De akkor mégis miért ilyen nagy sikerű a darab? A Chicago nem áll meg a könnyed szórakoztatás szintjén, hanem valahol mélyen megpróbál minden kor számára aktuális problémákat is feszegetni. Mindez egybeolvad a humoros, erotikától túlfűtött történettel, egy kerek egészet alkot vele. Ha megkóstoljuk a mázat, biztos megérezzük a valódi ízét is. Egyszerre valósul meg a felszíni szórakoztatás és a már-már filozófiai mélységbe hajló gondolkodás.
Fodor Annamária – Fotó: Lakatos Péter
Ahogy a darab elején hallhatjuk: „Ezen estén két lány történetét meséljük el, akik… Nem könnyű elmondani, de valami olyasmiről van szó, olyan egyszerű dologról, hogy ők boldogok szeretnének lenni. Persze rögtön felmerül a kérdés: mit is jelent az, hogy boldogság…” Hogy mi a boldogság a Chicago szerint? Erre nem biztos, hogy kapunk választ, legalábbis nem közvetlenül. A darab ezt a nézőkre bízza, mindenkinek magában kell megfogalmaznia, hogy számára mit is jelent ez a szó, hogyan, kivel és mikor élhető el. Roxie hírnévre vágyik, Billy a pénzbe szerelmes, Morton Mamának (Csarnóy Zsusa) a korrupt hatalom fenntartása a célja, és szerencsétlen Amosnak (Mihályfi Balázs) a boldogság a szerelmet és a családot jelenti. Ki így, ki úgy keresi a boldogságot.
A Chicago egy remek alkotás, de eredetileg nem magyar közönségnek íródott, ezért is voltak bennem óriási kérdőjelek, hogy mégis hogyan lehet mindezt „magyarosra” adoptálni. Alföldinek jár a vastaps; az ő rendezésében a Chicago új értelmet kap, ugyanis belecsempész olyan kortárs magyar problémákat, mint a hazai politikai helyzet, a korrupció, az igazságszolgáltatás mély gödre, újságírói elfogultság és a migráció, bár ebben a történetben pont a a magyar származású lány számít migránsnak Chicagoban. Mindezeket éles iróniával önti nyakon, így szinte feltűnés nélkül és kellően ízlésesen simul össze az eredeti történet könnyed, zenés revü jellegével. A börtönt Morton Mama uralja, aki egy kis pénzért bárkinek elintéz pár hívást. Az ügyvédet nem a gyilkosság megbüntetése, hanem a pénz motiválja. Az újságírók csak sztorihajhászok. Az igazságszolgáltatás megbukik. Pénz és szex irányítja a világot. A morális értékek eltűntek, inkább az számít, hogy ki kinek a farkát tartja a markában. Már-már megmosolyogtató, hogy Roxie férjét, Amos-t Billy, az ügyvéd eredeti neve helyett folyton Andynek hívja. Ezek azonban csak egy-egy odaszólások, nüansznyi részletek, amin persze a közönség jót nevet, de nem nyomják el a valódi történetszálat. Mégis magyarossá teszik – már ha nevezhetjük ezeket a jelzőket magyarosnak -, és mindenképpen segítik a nézők azonosulását az eredetileg Chicago bűnös életét bemutatni hivatott történettel.
Mihályfi Balázs – Fotó: Lakatos Péter
A színpadi kép is nagyon kifejezőre sikeredett, több funkciót is kiszolgál, könnyed asszociációval segíti a darab erotikus hangulatát beszippantani. A színpadon rácsszerű rudakat láthatunk, amelyek egyik oldalról előidézik a nézőkben a börtön kinézetét, de ha az erotika szintjén indulunk el, akkor nem nehéz őket rúdtáncos rudaknak tekinteni. Mindez kiegészül a zenekar remek játékával, változatos fénytechnikával és hanghatásokkal, és a színészek énektudása sem mindennapi. Az előadás alatt hallhattuk a legnagyobb Chicago dalok magyar változatát is felcsendülni, aminek magyarra fordítása órási piros pontot érdemel. A jelmeztervezőknek is jár a dicséret, bár Mary Sunshine gigapéniszének előrekerülése azért jó pár percig sokkban tartott. De hát „nem minden az, aminek látszik”.
Külön érdekes lehet a szereposztás, az Átrium két Roxieval, Billyvel és Morton Mamával is dolgozik. Míg a Velma Kelly szerepében játszó Parti Nóra számomra telitalálat volt, addig a Roxie szerepét játszó Sodró Elizában bizonytalan voltam. Mindez elmúlt az előadás előrehaladtával, ahogy egyre jobban kiforrotta magát a történet, annál jobban kezdtem megszeretni Elizát ebben a szerepben. Bár a fejemben nem egészet ilyen Roxie karaktert képzeltem el, Sodró Eliza mégis sajátosan egyedivé tette a főszereplőnő karakterét, ezért ez biztosan egy olyan játék volt, amire még sokáig fogok emlékezni. A történet legszerethetőbb karaktere egyébként egyértelműen Hámori Ildikó volt a konferanszié alakításában. Nem túlzás azt állítani, hogy ő az író szócsöve, mégis olyan hitelesen játszotta az ügyetlen és mély gondolatokba eső konferanszié szerepét, hogy az előadás végén ő kapta a legnagyobb tapsot.
Hámori Ildikó, Bercsényi Péter – Fotó: Mészáros Csaba
Összességben egy nagyon komplex előadásnak lehettem részese, amit mindenkinek csak ajánlani tudok, főleg azoknak, akik szeretnének egy kis ízelítőt kapni Alföldi humorából. Mert ez csak szex. Epilógusként még annyi, hogy a darab akkora hatással volt rám, hogy hazafele menet minden nőegyedtől legalább öt lépés távolságot tartottam, nehogy bárkinek eszébe jusson valamilyen múltbeli rossz tettem, és úgy végezzem, mint a darabban az „ártatlan” férfitársaim.
Kiemelt kép: Parti Nóra, Figeczky Bence, Sodró Eliza – Fotó: Szilvás Zoltán
Egymás szájába hánynak, igen, jól olvasod, vagyDanny Trejo lábát masszírozzák leginkább csupasz vakondokra emlékeztető lények, esetleg kövér, vicsorító férfiak (?) széken ülve levitálnak és artikulálatlanul üvöltenek, ki tudja miért. Ezek mind a Cool 3D World attribútumai, persze ettől még nem értjük a dolgok mibenlétét, már ha van értelmük egyáltalán, vagy az egész csak az emberi befogadóképesség, az elme terhelhetőségének tesztje?
A videók hatásmechanizmusa kétségbevonhatatlan, valamilyen reakciót kiváltanak az emberből, legyen az olyan ősi és zsigeri, mint az undor. Ezekkel egyedül megbirkózni nehéz, mert a legerősebb gondolat a nem értés, az „ez miért?”. Hol máshol, mint a YouTube-on próbálják megfejteni az értelmét, számos reakció született a Cool 3D Worldre, amiben leginkább a döbbent tekintetek, a szemeltakarások és a válaszok nélkül maradt kérdések dominálnak. Mit jelent ez valójában?
Minden videó megnézése erős zavarodottságot hagy maga után, vannak igazán ütős és hatásos alkotások. Ütemesek és látványosak, erős ismétlődés-mechanizmusuk van. Az is megfigyelhető, hogy az animációk látványában tetten érhető a fejlődés, kidolgozottabbak a karakterek, a részletek, ettől még szürreálisabbá, sokkolóbbá válik az egész. Mint a horrorfilmekben, amikor az emberekre hajazó dolgokat formálják torzzá, hasonlítanak ránk, rólunk lettek mintázva, csak valahol elcsúszott a dolog, valami rémálomszerűbe vált. Jon Baken, az egyik alkotó így nyilatkozott arról, hogy mit akarnak elérni, mi vezérli cselekedeteiket akkor, amikor megalkotják 3D-s animációikat: „Állandóan azon vagyunk, hogy saját magunkat hajtjuk előre. Végtelen mennyiségű tanulnivaló van még, és alig érintettük a felszínt. Ami a közönséget illeti, igyekszünk meglepni az embereket, vagy mást mutatni nekik, mint egy tökéletesen ábrázolt tér.”
A 3D-s animációs projekt két ember nevéhez köthető: Brian Tessler és Jon Baken gyártja az erős torzításokkal és felettébb groteszk képekkel dolgozó videókat. Brian 2013 óta aktív a weben, míg Jon, aki zenész és animátor, 2015-ben posztolt először. 2015 nyarától dolgoznak együtt, akkor kezdték el a zenei és vizuális ötletek cseréjét, és még ez év szeptemberében rakták ki első animációjukat. Azóta YouTube-on közel 200.000 feliratkozójuk van, de Instagramon még ennél is többen követik munkásságukat, 392659-en. Külön csatornával is rendelkeznek, Brian Brian néven van fent az ismert videómegosztón, míg Jon Baken popcorn10 alatt érhető el. Az bátran kijelenthető, hogy a saját csatornáik egyfajta szárnypróbálgatások voltak, igazán a Cool 3D World alatt teljesedtek, illetve teljesednek ki. A videók alapötleteit barátaikkal folytatott beszélgetések adják, vagy filmek, zenék hatására alkotnak. Minél bonyolultabb látványvilágot akarnak létrehozni, és azt zeneileg a legtökéletesebben megtámogatni.
2016-ban a páros három kedvenc videója a következő volt: A Life Well Lived (Jól élt élet), mely megmutatja egy karakter életét: ahogyan szerelembe esik, dolgozik, majd a másik mellett öregszik meg, persze az egészet nem a szokványos köntösbe csomagolták, annál ez jóval szürreálisabb. A második a Worlds (Világok), itt a zeneiség pontosan olyan fontos, mint a látvány, úgy is mondhatnánk, kéz a kézben járnak, de ember legyen a talpán, aki ebből a látszólagos katyvaszból valami értelmet kiolvas. A személyes kedvenceik listáján a harmadik a The Healer, vagyis A Gyógyító, de hogy kit gyógyít meg, az már más kérdés.
Ezek már több, mint kétéves alkotások, nézzünk pár frissebbet, hogy kellő új vizuális ingereket kapjunk.
Talán mind közül a legdurvább alkotás a We Will Rock You címet viseli, az egyik legismertebb Queen-szám mintájára, hiszen ugyanúgy kezdődik, a dobolós, tapsolós résszel. Aztán egészen más vége lesz, amire már tényleg nehéz, lehetetlen szavakat találni…
Megfelelő konklúzió nincs, újabb kérdések viszont vannak, ám rájuk válaszok sehonnan se érkeznek. Az alkotók szándéka nyilvánvaló: a határok feszegetése, az emberek meglepése, sokkolása. Egy-két percben minél erősebb reakciókat kiváltani. Hogy minek nézik ezeket emberek, és miért született erről egy cikk? Azt én sem tudom megmondani. De rád is hatással voltak, nem?
Ki ne ismerné a történetet, amelyben egy látszólag polgárpukkasztó apáca műsort csinál a miséből, és meghozza mindenki kedvét a templomba járásra? Az ikonikus művet a tévéképernyő és a Broadway után végre magyarul is megnézhetjük az Operettszínházban. Könnyed írás egy könnyed darabról.
„Kenyeret és cirkuszt a népnek!”
Ez az idézet jut eszembe, amikor a perecemet szorongatva leülök a nekem szánt helyre. Róma császárai ezeket az eszközöket használták a nép elhallgattatásához, a színház falai között ülve viszont ez a mondat teljesen más értelmet nyer: ez kell a boldogsághoz.
Nyüzsgés van, az épület falain belül együtt szórakozik idős és fiatal. Több dolog is közös bennük, az egyik, hogy bizonyára mindannyian szeretik és értékelik a színházat, a másik, hogy biztosan látták már legalább egyszer Whoopi Goldberg filmjét, az Apáca Show-t, amelyben Deloris Van Cartier bárénekesnő szemtanúja lesz egy gyilkosságnak, amelyet bűnös életű szeretője követ el, így a saját biztonsága érdekében, és a rendőrök javaslatára, zárdába vonul, és Mary Clarance nővérként éli az életét, amellyel igencsak felforgatja másokét is. Bár Whoopi Goldberg személyisége és filmbéli alakítása utánozhatatlan, a színházi mű és a magyar színészek is kétségtelenül megállják helyüket.
Fotó: Operettszínház
Elsőre az enyhén vulgáris stílus kicsit sok, erőltetettnek tűnik, mert az eredeti film igazi amerikai lazasága és stílusa aligha helyettesíthető a többször elhangzó „vazze”-val és további magyar argókkal, azonban a darab előttünk lógatott képzeletbeli fonala hamar felvehető, és a jól ismert történet soha nem látott módon válik izgalmassá és rendkívül látványossá, melyre a rendező, Szente Vajk különösen nagy figyelmet fordított.
A színpad közepén elhelyezett óriási diszkógömb körül minden másodpercek alatt alakul át bárból templommá, zárdából rendőrőrssé, mindezt olyan valósághűen, hogy amikor az atya prédikál, majd egy csomó apáca táncra perdül, a néző valóban egy templomban érezheti magát, ez a templom pedig elképesztően menő. Sem a darabnak, sem a filmnek nincsen világmegváltó tanulsága, megrendítő története, a célja csupán a szórakoztatás, és azt félelmetesen jól csinálja, nyilván a remek színészi játék és rendezés kéz a kézben segítik ezt.
Arcok a reverenda mögött
A gyerekes álmokat kergető bárénekesnő becsöppen egy csapat borzasztóan éneklő, mégsem mindennapi személyiségű apáca közé. Ők kíváncsiak, kalandra vágynak: valami újra, egy cseppre az igazi életből, pont arra, amit Deloris adni tud nekik, aki pedig cserébe megtanulja, hogy milyen, ha az embernek igaz barátai vannak, akik a bajban is kitartanak mellette. Peller Anna kivételesen jól alakítja a főszereplő kicsapongó, de jóságos természetet, az apácák odaadó színészi játéka nélkül viszont élettelen lenne a darab. Mindegyikük – nem csak a négy kiemelt karakter – hozzátesz valami pluszt, amitől olyan igazán szerethetővé válik.
Szabó P. Szilveszter előadásában számomra Curtis, a gengszterfőnök elég halvány, bár valószínűleg a véleményemben közrejátszik az is, hogy nagyon szerettem volna Alföldi Róbert alakítását látni, Feke Pál azonban messze az egyik legkiemelkedőbb szereplő Eddie Southert, a kissé ügyefogyott nyomozót alakítva.
Fotó: Operettszínház
Érdekes gondolat az is, hogy vajon ezerszer több hívő, templomba járó ember lenne, ha úgy zajlanának az istentiszteletek, ahogy azt az Apáca Show bemutatja a fantasztikus zenéivel és koreográfiáival? Krisztus jegyesei cigánykereket hánynak és léggitároznak, a szószékről az atya DJ-ként prédikál, árad belőlük a boldogság és vidámság, az, amiről az életnek szólnia kellene. Hol van megírva, hogy az egyházi személyeknek karót nyeltnek kell lenni? Miért ne ehetne hamburgert egy apáca, vagy akár egy egész zárda, ahogyan ezt néhányan teszik is, és miért ne „turbózhatnák” fel a misét? A darab egyik lényege, hogy az apácák borzasztó kórusa és a mise unalmassága miatt az emberek nem járnak templomba, Deloris megjelenésével és változtatásaival viszont az egész város ott tobzódik, és ország-világ róluk beszél.
Bár hétköznapi templomainkban valószínűleg mi sosem fogunk ilyesmivel találkozni, arra mindenkinek lehetősége van, hogy az Operettszínház falain belül részt vegyen egy rendkívül szórakoztató „misén”.
Szabó Gergely 1991-ben született, és a Balaton mellett nőtt fel. Jelenleg Győrben él, tanárként, drámapedagógusként, énekesként tevékenykedik. Szabadidejében szívesen biciklizik, néha ilyenkor is jutnak eszébe sorok. Ekkor asszociál, fűz, átrendez, hangol. Szeret nem csak innen látni, hiszen „az erdő csapásain megfigyelhető elektrosztatikus szekvencia, légüres rekesznyílással provokálja a holdakat.”
tumultus
itt mindenki úgy ért a focihoz ahogy az autókhoz mi vagyunk a pólókon a feliratok és a minden egy kanyar után van
levágott kézfejek mutatják az ígéret szép így hát megveszik
bennünk a ködfoltok a legértékesebbek de ezek az idézetek magukkal sem állnak szóba
rozsdás tettek között tévelyeg a street view
ahol az idő is unja önmagát ott ennyi aszfaltot nem látott még a világ
Fölötte
Sárgul az idegenség magas határvonala fölött az életéért vonaglóan küzdő. A helyes irányba állítják az antennákat, és megpihennek a korláton az űzők. Minden marad, amilyen volt: tolongás és tömés.
Sarok
Sebességet lopó táblán könyököl a jazz és misztikus lépései. Kacagva pörög le a remegő fókuszban fogócskázó kódcsavar. Lehetne még.
Lasszó
Szívószál ez a történet. Meggondolatlanul képtelen. Küszöb alá szorult kutyaszőr. Digitális szalvétahajlat. A csukódó esernyőd hangja.
Folytatjuk és szívószálat már nem kérünk az italunkhoz.
rázó
sátánzöld szöszjáték köztes illetékmorzsa falakon túli súgótér mit ér ha beáll a sorba
A magyar film mibenlétét keresve mindenképp meg kell említenünk azt a számtalan újító és kísérletező embert, akik mentális és fizikai korlátokat legyűrve hódoltak és hódolnak szenvedélyüknek. Mindennek a hatalmas mesterség- és művészetbeli tudásnak az elegyében jön óhatatlanul szóba az a férfi, ,,aki már úgyis mindent lefényképezett”: ő Hildebrand István, a Balázs Béla-díjas operatőr.
A traktorosnak készülő fiatalember egy nap besétált a Filmművészeti Egyetemre, majd a Sporthíradó operatőreként elsőként készített víz alatti felvételeket; később pedig az állványról levéve a kamerát, ő mozdította meg először igazán a képet. Munkáiból elengedhetetlen a különleges látvány: a színek, a fények és az árnyékok dramaturgiai elemként való alkalmazása, valamint a monumentalitás; és még ezeken túl is képes arra, hogy minden filmben más legyen, újra és újra megújuljon. Pályatársai szerint legendásan értett a szép nők fényképezéséhez, gyors volt, pontos és precíz, mindig mestermunkát adott ki kezei közül. A magyar filmművészet és a magyar film “aranykorának” egyik legjelentősebb operatőreként nevéhez többek között olyan filmek fotografálása és képi látványa kötődik, mint az 1965-ös A kőszívű ember fiai, a Kárpáthy Zoltán, A veréb is madár, valamint a hihetetlen képi megoldásokat felvonultató Psyché 1980-ból.
Fotó: Szabados Petra
,,Milyen fess ember!”– hangzott el a közönség soraiból, amikor a felsőcsatári kötődésű, kilencvenéves bácsi szerényen bicegett be és fogadta a tapsot a róla készült film vetítésekor az AGORA-Savaria Filmszínházban. A Jelenetek egy operatőr életéből című film alkotóinak, Kocsis Tibornak és Konecsny Emőkének köszönhetően többek között Makk Károly, Kovács András, Sándor Pál és Ragályi Elemér szemén át ismerhettük meg “Hilda” milyenségét november 12-én, hétfő este, a mozi kamaratermében. A filmből azt is megtudhattuk, milyen elszántan kísérletezett ez az ember, sokszor testi épségét kockáztatva kereste a legjobb nézőpontokat. ,,Ott égett el a művészet oltárán!”– meséli egy pályatársa; a most már vicces történetet az égő zsúptetőről és a tökéletes képért mindent kockára tevő Pistáról. A vetítést követően Kovács Ágnes irodalomtörténész vezette az igen jó hangulatú beszélgetést, István pedig készségesen válaszolt minden kérdésre. Kicsit művészien, kicsit elkalandozóan és még mindig humorosan: ,,Így van vége, ennyi volt az egész…”
Hildebrand István a közönségtalálkozón Vas Megyéért Díjat kapott, amelyet Majtényi László adott át.